Aprender a hablar de arte: los once libros imprescindibles

La afición al arte es uno de los placeres más sublimes y sofisticados. Sin embargo, aprender realmente a apreciar y deleitarse con una obra o, como mínimo, a valorarla en su justa medida, es una tarea complicada si no se cuenta con la formación adecuada o el apoyo preciso.

La cuestión es: ¿por dónde empezar? Hay multitud de libros sobre el arte y todos sus estilos, pero simplemente acudir a una librería o un museo sin algunas recomendaciones previas nos puede frustrar más que animar. Básicamente, porque nos podemos perder ente tanto volumen increíblemente específico sobre temas muy particulares.

Para solventarlo, y convertirnos en auténticos expertos, les dejamos los libros con los que comenzar, aprender, profundizar y conseguir hablar como un auténtico conneisseur del arte.

· E.H. Gombrich, Historia del arte, Phaidon.

“El” libro con el cual comenzar. Publicado inicialmente en 1950 por la editorial Phaidon en Londres, está considerada la mejor y más accesible introducción a la Historia del Arte. Su autor, Ernst Hans Josef Gombrich, nacido en Viena y exiliado a Gran Bretaña después del ascenso de los nazis al poder, fue profesor de Arte en Oxford, Cambridge y Harvard. Cuando escribió el libro tenía en mente a los estudiantes de instituto, de ahí el lenguaje sencillo y las explicaciones claras, incluso con toques amenos. Sin embargo, la obra conjuga divulgación con rigurosidad, y después de leerla tienes un mapa mental claro de la evolución del arte, de los principales artistas, obras y técnicas.

· Robert Hughes, El impacto de lo nuevo: el arte en el siglo XX. Galaxia Gutenberg.

Hasta su muerte, en 2012, el australiano Robert Hughes fue considerado el crítico de arte más reputado del mundo. Eso sí, sus opiniones –siempre ácidas, casi siempre certeras– no dejaban indiferentes a nadie. Del sacrosanto Francis Bacon dijo que sus obras sólo podían clasificarse como “papel para atrapar moscas” y consideraba que el “arte posmoderno” era “el vómito de los ochenta”.

Entre 1979 y 1980, dirigió y presentó una serie de ocho documentales en la BBC que, bajo el título de “El impacto de lo nuevo”, reflexionaba sobre el arte moderno. Era televisión en mayúsculas que más tarde se transformó en este maravilloso libro, una auténtica obra de culto, todavía no superada, sobre el arte contemporáneo, los artistas y todas sus circunstancias. Una referencia indiscutible que, encima, está escrito con un lenguaje sencillo y un tiempo narrativo que atrapa.

· Giulio Carlo Argan, El arte moderno. Ediciones Akal.

Desgraciadamente, siempre que se habla de libros de Historia del Arte se nombran autores anglosajones, lo que deja a auténticos eruditos fuera del radar. Y, a veces, aportan un punto de vista mucho más sofisticado y una sensibilidad mucho más elevada. El italiano Giulio Carlo Argan (1909-1992) entraría dentro de esta categoría de brillante pensador que cabría reivindicar. Su historia de la arquitectura barroca en Italia es, simplemente, sensacional, y sus monografías de artistas (de Botticelli a Hogarth o Picasso) son de una delicadeza exquisita. Aquí destacamos su obra “El arte del siglo XX. Del iluminismo a los movimientos contemporáneos”, publicado originalmente en 1973 (y, en España, en 1991). Es una obra seminal que aporta un análisis pormenorizado de las principales corrientes y, al mismo tiempo, analiza pormenorizadamente ciertas obras representativas.

·John Berger, Modos de ver, Editorial Gustavo Gili

En 1972, el crítico de arte John Berger digirió un programa de televisión en la BBC titulado “Ways of Seeing”, o “Modos de ver”, en que revolucionó la manera que tenemos de mirar al arte y de interpretarlo. Básicamente, enseñó al público a ver el arte “con otros ojos”.

Aquellos programas se tradujeron en este libro que se ha convertido en un referente indispensable en teoría del arte. La tesis fundamental de la obra es que hay distintos modos de ver y que cada uno afecta a la forma de interpretar. En concreto, que medios como la fotografía o el cine, incluso la publicidad, han cambiado radicalmente nuestra relación con una obra de arte y que, por tanto, no se puede seguir defendiendo una historia del arte puramente académica, como la que propuso Gombrich.

·Pierre Francastel, El retrato. Editorial Cátedra.

Pierre Francastel fue, seguramente, el más destacado crítico francés de arte del siglo XX. Además, está considerado uno de los fundadores de la “sociología del arte”, es decir, la concepción del arte, no sólo como objeto de deleite, sino como producción social resultante de, o estrechamente relacionado con, el ambiente político, religioso y científico de un determinado momento. Sus obras más destacadas fueron “Arte y sociología” (1948) y “Pintura y Sociedad” (1951), pero son obras bastantes avanzadas y, por ello, aquí hemos preferido rescatar su fabuloso libro sobre la historia del retrato, un portentoso recorrido histórico desde la Antigüedad hasta el siglo XX.

· Marc Fumaroli, París — Nueva York – París. Viaje al mundo de las artes y de las imágenes. Editorial Acantilado.

Libro de una erudición exquisita y extraordinaria de uno de los mejores historiadores franceses vivo. Marc Fumaroli, Catedrático en La Sorbona, compara dos ciudades, Nueva York y París, que son los grandes símbolos de la creación del arte moderno y, a partir de este ejercicio hace balance de la cultura visual de Occidente. Cada página es una delicia intelectual, pero sobre todo llama la atención la advertencia que el autor traza: el auge de la banalización, de la estandarización y la industrialización de la actividad creativa. Desde luego, no es un libro para políticamente correctos.

· Simon Schama, El poder del arte, Editorial Crítica

“El gran arte tiene maneras terribles…” El prestigioso historiador británico Simon Schama comienza con esta lapidaria frase un recorrido por algunos momentos culminantes de la historia del arte. Y es que muchas veces creemos –erróneamente—que el arte sólo sirve para reflejar lo “bonito” o “agradable” a la vista. En realidad, el arte ha de remover por dentro, plantearnos preguntas, forzarnos a replantear nuestras acepciones más mundanas. El arte, tal como lo entiende Simon Schama, ha de servir para desmontar esquemas y ayudarte a reorganizar el sentido de la realidad. Por ello, en este libro, recorre la vida y obra de ocho genios (Caravaggio, Bernini, Rembrandt, David, Turner, Van Gogh, Picasso y Rothko) que desafiaron convenciones, revolucionaron los estándares y cambiaron para siempre nuestra concepción del mundo. Un libro delicioso, culto y ameno, que nos transporta a otros tiempos y nos disecciona la personalidad de artistas que revolucionaron la historia.

· Antonio Muñoz Molina, El atrevimiento de mirar. Galaxia Gutenberg.

Ambicioso ensayo de uno de los escritores españoles más consagrados. Literatura y arte se mezclan elegantemente en los diferentes ensayos en donde el autor expresa su sentir frente a la pintura y, en concreto, sobre la obra de De la Tour, Goya, Hopper, Picasso, Schad, Genovés y Macaya. El libro es, en realidad, un recopilatorio de diferentes piezas elaboradas en dieciséis años, del 1995 a 2011, y en todos ellas desgrana una sensibilidad elevada que nos acompaña en un viaje a las profundidades de obras de arte.

·Julian Barnes, Con los ojos bien abiertos. Editorial Anagrama.

El británico Julian Barnes no es crítico de arte, sino uno de los mejores escritores actuales (su “El loro de Flaubert” es sensacional). Pero este tecnicismo no le impide tener una mirada profunda, perspicaz, inteligente y bien entrenada, y un profundo interés en el mundo del arte, sobre todo del francés. Aquí reúne sus impresiones, elegantemente escritas, sobre pintores como Géricault, Delacroix, Courbet, Manet, Cezanne o Braque. En conjunto presenta un recorrido sobre el arte moderno y contemporáneo repleta de anécdotas fascinantes y observaciones eruditas y agudas. Es un libro profundo, aunque ameno, que hay que leer sin prisas, saboreando cada página.

·Claude Lévi-Strauss, Mirar, escuchar, leer. Editorial Siruela.

El antropólogo francés Claude Lévi-Strauss (1908-2009) fue uno de los más eminentes antropólogos y filósofos de la segunda mitad del siglo XX. Aunque su obra se centra sobre todo en la lingüística y en cómo ésta estructura el pensamiento, en esta obra, publicada en 1975, se centró en su visión de la pintura, la literatura y la música. Es una obra deliciosa, de una erudición poderosa, donde se reflexiona sobre el arte y el gusto a través de diferentes ensayos como, por ejemplo, la pintura “filosófica” de Poussin, los cambios en la audición musical desde el siglo XVIII, las ideas de Diderot y Rousseau sobre el arte o la relación entre sonidos y colores. Un auténtico festín para los sentidos.

· Giorgio Vasari, Las vidas de los más excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos desde Cimabue a nuestros tiempos, Ediciones Cátedra.

Giorgio Vasari fue un pintor italiano del siglo XVI que publicó en Florencia en 1550 la biografía de los principales representantes del Renacimiento italiano. En concreto, narra treinta y dos vidas destacadas, aunque no sólo aporta datos biográficos, sino también valoraciones y apreciaciones, bastantes subjetivas. A pesar de ser tan antiguo, sigue siendo una de las obras de referencia para cualquier persona interesada en el mundo del arte.

Si quieren un libro más visual que recoja arte más actual echad un vistazo a Arte. Toda la historia (ed. Blume) de Stephen Farthing. En este caso la estructura es la siguiente: se explica brevemente cada periodo y se analizan dos o tres obras representativas del mismo. Lo que nos gusta del libro es que tiene muy buenas fotografías, se amplían detalles de cada obra que son relevantes y se explican.

Otras dos cosas buenas es que incluye ejes cronológicos y se adentra en el arte de todo el mundo. Es muy divulgativo y quizá su mayor fallo es la falta de rigurosidad científica.

Si mientras lees los libros anteriores les resultan ajenas palabras como contrafuerte, arbotante, bulto redondo, perspectiva aérea; quieren consultar cuándo nació Caravaggio, Velázquez o Goya; o no recuerdan qué demonios es el art nouveau, la Bauhaus o el expresionismo abstracto, tenemos dos diccionarios que les serán realmente útiles.

El primero es Diccionario de términos de arte y elementos de arqueología, heráldica y numismática (ed. Alianza) de Guillermo Fatás y Gonzalo Borrás. Aquí puede consultarse prácticamente cualquier concepto básico que tenga relación con la Historia del Arte, desde elementos arquitectónicos (columna, bóveda, arco, así como sus distintos tipos) hasta técnicas artísticas (óleo, aguafuerte, pintura a la encáustica) pasando por breves definiciones de algunos periodos artísticos, como románico o impresionismo.

En los términos más importantes, al final de su definición suelen enlazarse otros conceptos que tienen relación, por lo que así se tiene un conocimiento más completo. Al final del diccionario aparecen una serie de láminas con ilustraciones muy útiles para comprender algunos de los términos que se han explicado: tipos de arcos, plantas de iglesias y catedrales, tipos de bóvedas, diferentes cerámicas griegas, partes y tipos de escudos, etc. En definitiva, este diccionario es esencial para aclarar los conceptos principales sobre cualquier manifestación artística.

Para complementar este, el segundo que recomendamos es Diccionario de arte (ed. Alianza) de Ian Chilvers, que recoge fundamentalmente movimientos artísticos y artistas.

En las entradas relativas a periodos artísticos nos cuenta brevemente el origen del movimiento, dónde tuvo lugar y cuáles eran sus características, mientras que en las entradas sobre artistas encontramos la información esencial para acercarnos a ellos: sus fechas, sus obras más importantes y lo más característico de su estilo, por lo que resulta muy útil para trabar un primer acercamiento a estos artistas y poder ampliar después información en otros libros que comentaremos más abajo. Quizá la pega que se le puede poner a este libro es que no recoge absolutamente a todos los artistas (esto es prácticamente imposible) pero aun así es un diccionario muy completo para empezar.